PANPOT
laboratorio pratico per l'interpretazione e la scrittura

Vengono proposti ai partecipanti esercizi di contemplazione del paesaggio capaci di sviluppare l’allenamento immaginifico per aprire alla restituzione attraverso la creazione di autonome forme di espressione, inseguendo la costruzione di un’autonoma modalità creativa per la scena.
I risultati dell’incontro con le immagini e la relazione che con essi s’instaura sono costanti del nostro quotidiano e si pongono alla base della mia pratica creativa. Il laboratorio dà luogo a uno spazio dove poter condividere le diverse qualità reattive e dove poter rimodulare le distanze che i dispositivi ci permettono di costruire.
Ambiti politici diversi convergono nell’identificare il cittadino come un sensore, la cui partecipazione alla dinamica pubblica si sostanzia attraverso l’osservazione dell’esistente e la restituzione alla comunità di un proprio punto di vista.
Prolificano piattaforme che abilitano alla condivisione di prodotti dello sguardo: immagini, video e pensieri.
A cosa stai pensando? Ci viene chiesto. Cosa e come stiamo guardando? Ci chiediamo. Quale azione scaturisce dalla coltivazione del nostro sguardo? Ci chiede l’identità che abbiamo scelto.
Il laboratorio si sviluppa attraverso l’approfondimento della forma descrittiva, come luogo nel quale l’io si identifica con i meccanismi della propria ricettività e la scelta delle forme della restituzione.
I partecipanti partono in spedizioni esplorative centrate su luoghi strategici dell’immaginario e dell’azione cittadina.
Si torna in sala prove con un nuovo io.
L’aderenza a se stessi, ovvero la concentrazione del performer, è lo strumento per scrivere su carta che brucia, espressione dell’attrazione pasoliniana per il cinema che facciamo quotidianamente nostra nel predisporci alla scrittura scenica.
Il passaggio dalla contemplazione alla descrizione genera nel lavoro proposto la messa a fuoco della propria identità politica e la sua proiezione nell’azione teatrale per la creazione di un gesto creativo autonomo ma non estraneo.

THE FOREST IS AS A PARENT
Active listening

The Forest Is As A Parent è un workshop rivolto a chiunque sia interessato ad utilizzare il corpo come strumento di ascolto, ricerca ed estensione della capacità percettiva ed immaginativa del movimento in relazione al suono, allo spazio e alla vitalità dei materiali.
Attraverso la realizzazione di semplici esperienze di ascolto e azione, esercizi e performances informali di Enrico Malatesta, l’intento è di porre il corpo in reciproca relazione di movimento con ciò che lo circonda, con i suoi dintorni, con particolare attenzione al suono e all’attività delle informazioni aurali che, in divenire, consentono di definire la qualità di produzione, attraversamento ed abitabilità dello spazio da parte di un soggetto.

Contenuti
Suono-Spazio-Corpo | Vitalità dei materiali | Ascolto Attivo | Prensilità | Simpatia | Superficie | Dinamica Appropriazione | Idiofoni | Ecologia | Ritmo | Aural Architecture | Movimento.

a chi è rivolto: attori, danzatori, musicisti, performer, teorici e semplici interessati alle modalità di ascolto, al corpo e al suono.

richieste: nessuna richiesta particolare
numero massimo di partecipanti: 7
durata: 7 ore divise in mattina-pomeriggio.

Photo-graphia di scena.
Teatro come poetica fotografica civile.

Quattro giornate full-time suddivise tra pratica e teoria

Proponiamo un laboratorio che permetta di fotografare il teatro.
Fotografare il teatro per avvicinarsi al teatro, per avvicinarlo nella sua materia che si dà alle scene e che si forma per essere data nel momento stesso in cui vive di una sua autonomia lontana da queste.
Futura vive la fotografia di teatro nel tentativo di abbattere la prigionia dell’inquadratura ed esperirla come un volume i cui limiti sono quelli della malleabilità del suo perimetro.
Avvicinarsi al teatro da fotografi appassionati per scoprirne le potenzialità, rivelare quei limiti quali non sono. Una scatola scenica mancante di una sola quarta parete? Oltre la quale ci viene chiesto di porci?

In quell’area fittizia e a un tempo materica si racchiudono delle domande capaci di svelare azioni concrete, esperite: come si guarda, come si avvicina, come si ferma? Dove finisce lo spettacolo e inizia il teatro, dove si fondono? Dove la timida periferia del mio corpo diventa scena, dove il rispetto e la fascinazione profonda che provo per un mondo confezionato mi racconta della mia fascinazione per la vita?

Programma

- Introduzione alle caratteristiche tecniche e concettuali della fotografia di scena.
Le varie impostazioni formali e le possibilità di approccio e di sguardo sul teatro.
- Analisi delle differenti situazioni di ripresa e di lavoro.
- Tecniche di ripresa nella fotografia di spettacolo: inquadratura, velocità, capacità di prefigurazione, discrezione, creatività. Obiettivi e luminosità nelle differenti situazioni.
- Il rapporto tra teatro e fotografia.
Elementi compositivi, tecniche, obiettivi, luci.
- L’“etica” del fotografo di scena: il rapporto con il palco, l’approccio emotivo con gli artisti e con lo spettacolo.
- Visione e commento di foto: fotografie di scena dei “maestri”.
- Il mestiere del fotografo di scena: rapporti con gli uffici stampa e immagini da inviare ai giornali. Gallerie sul web e immagini per le riviste.

Attrezzature necessarie:
fotocamera reflex digitale o analogica + relativi obiettivi ed un proprio computer portatile
(in caso di attrezzatura analogica non sarà possibile revisionare in tempo reale il materiale